Meet David Furlong :
Theatre to question the world
INTERVIEW of David Furlong
by Norbert Louis, for Le Mauricien
Published in the Week End, cultural supplement to the main Mauritian newspaper, July 2009.
(SCROLL DOWN for French version, PLUS BAS, version en Francais)
A Young theatre director and actor, David Furlong, based in London is a man of performing arts. Moved by a force fed by passion, he has this way of always being cutting edge, outside the box, and constantly connected to contemporary matters. This creates David’s theatre. As he’s about to present his new translations of Feydeau farces (Feydeau Double Bill) at the Tabard Theatre in London, he takes the time to go back on his coherent artistic journey with his company, Exchange Theatre.
Week-End : How do you conceive the performance in relation to the plot and the dialogues ?
David Furlong : I started theatre with a very classical training. It was about telling stories. But throughout my work, while looking for the meaning of a dramatic work and by exploring deeper all forms and styles, one thing appeared constantly: the story must trigger something in the audience, it’s an emotionnal aim. Theatre is unique because it’s the only form of art where there is no barreers between the art piece and its audience: instantly, emotions are real; be it laughing, crying or receiving a message. Actors are real flesh you could even touch, so theatre is truly the most immediate art. But the plot is nothing without the direction, the text is not enough: in the theatre, the audience has to be challenged on several levels: eyes, ears, even feelings, especially for a contemporary audience who is used to medias, imagery is very important. There are even non-textuals theatrical forms. For me, i’m quoting French director Patrice Caurier and his designer Moshe Leiser, «a show can be visually anything as long as an audience can see a clear link between the images and the text». I believe that this multidimensionnal vision is too rare and text is too sacred. Theatre must create something that is not on the page. Life. Theatre is an exchange between the script and the actors, between actors and technique, between the actors and the audience and between actors on stage. This exchange creates life.
In The Flies, what were the main themes ?
D. F : In The Flies, Jean Paul Sartre tells the oppression of a whole people through disinformation and ignorance. The Flies symbolize those negative feelings haunting the characters: remorse, fear. The Flies is a play of rebellion, written by a young philosopher against Nazi occupation in France, but this ode to freedom still rings today like a very contemporary one. Especially nowadays where fear of the other or the stanger is the bed for disinformation and dumb masses. Where private interests lead to lies or war like in Irak, in the name of weapons of mass detruction. Actuallym this is where the idea of The Flies come from.
How does your production express a contemporary state of mind ?
D. F : The stage of The Flies is composed by numerous tv sets as a setting, on which a video creation is broadcasted, showing publicity and informations as they are offered to us at the moment; there are cables everywhere on stage, plugged in amplifiers, microphones, musical instruments. This is our set, an ultra modern decor made of what can be seen as the technological debris of an era. It represents the mediatic armada deployed to maintain the citizens of Argos into ignorance and fear. In truth, it’s not very far from reality: people fed by mtv and sugary sodas, it’s very close to the world we live in. There is currently an awakening happening amongst the people who start doubting a unique way of thinking (la pensee unique, as the French call it) and start questionning the permanent obsession for money and profit. Some initiatives are taken in the fields of economy, or ecology, with green industries, fairtrade or sustainable developmentsont. Artistically too, I think it’s important to take part in this questionning of values and there is curently a move towards this. Echange Theatre is in this direction and The Flies has a political side to it, similar to lots of contemporary creations.
Do your company want to merge theatre and other artistic forms like music?
D.F : The company is called Echange because we’re interested not only in an exchange of cultures but also, in our practise, by an exchange between crafts. And music does have a special place in our creations. Our sound engineer, Dilan Hookoomsing who is mauritian, is also a musician, (he’s the guitar player A Riot in Heaven, the band featured in The Flies). For our first collaboration on our first show, (The Exchange by Paul Claudel) I asked him to change a couple of paragraphs from the script into a song. From this succesful experimentation, we investiagted further in Bal Trap by Xavier Durringer, a show that was entirely performed with live music, not as a transition, but permanently, as a soundtrack. That was quite a unique take on it, we wanted to go away from traditionnal conceptions of using music as a gimmic and we wanted the musician to be playing organicly even during the dialogues. Then, for The Flies, I thought that beyond the fact of being a simple soundtrack, a full electric rock band could litterally create the mood of the play with their music and even beyond that, play sounds that would suggest the settings or the flies. The music triggers the audience’s imagination and does create our world so. It’s not a part of the show, it’s become one with the play. Echange Theatre endeavours to research such theatre, and the same researches are currently being done with vidéo.
What’s the place for the text and reflection?
D.F : Text remains the basis of the work. Our primary objective is to make some rare or unknown texts discovered. It mostly consists of a translation work led by our team and for which our bilingualism is essential. We often find older translations that are dated or too approxiamtely done, or sometimes too academic to be performed. Since we want to be true to the original play and use faithful translations, we end up producing our owns. Because we want poetic licenses to be kept or rythm to be more close to the original. So, indeed text is the heart of any project. The direction, the scenery, or every musical or visual inventions are only tools to serve the text. And sometimes it just makes it more digest. Because, beyons the mere discovery, the aim is also to make them accessible to a 21st century audience.
Why pretend to perform ? Is performing a way of making a statement on theatre ?
D.F : Performing is a way of being fundamentally in projection towards the world around us : others, our fellow partners and the audience. There is an old misunderstanding in the perception that people have of theatre in general, seeing it as a pretentious art. It’s the opposite. Performing is not really a statement on theatre. Direction does it before, reviews do it after. A statement is then made in the creative process or in the analyse of it. But at the moment of the performance, this should not be visible, or it is self-indulgence. This interview is surely a statement on theatre more than a performance.
Interview by
Norbert LOUIS
FRENCH Version:
Rencontre: David Furlong
Le Theatre pour questionner le monde
Week-End :Comment est-ce que tu conçois le jeu de la représentation, de l’intrigue et du dialogue ?
David Furlong : J’ai commencé le théâtre par une formation très classique. Il s’agissait d’abord, pour moi, de raconter des histoires. Mais en travaillant, en cherchant le sens du travail dramatique et en approfondissant l’exploration des formes et des styles, une chose reste constante : l’intrigue doit atteindre le public, c’est un but émotionnel. La représentation théâtrale est unique parce c’est le seul art où il n’y a pas de barrières entre l’objet d’art et le public : les émotions sont réelles et instantanées, quelles que soient le rire, les larmes, ou l’urgence d’un message, les acteurs sont réels, on pourrait les toucher, et par conséquent, la représentation théâtrale est immédiate et unique. L’intrigue n’est rien sans la mise en scène au théâtre. Le texte ne suffi t pas sur une scène, il faut aussi stimuler le public à plusieurs niveaux de sensations, la vue, l’ouïe. Surtout pour un public contemporain qui s’est habitué aux médias. L’imagerie est aussi très importante. Il y a même des formes théâtrales non textuelles. Pour moi, le visuel d’un spectacle peut être ce que l’on veut du moment que le public puisse voir clairement un lien entre les images et le texte. Je pense aussi que ce côté multi-dimensionnel est
trop souvent oublié. Or le théâtre quand il est hors d’un texte, doit créer autre chose. Il doit y avoir
une vie. Le théâtre est un échange vivant entre le texte et les acteurs, les acteurs et la technique, les
acteurs et le public, et les acteurs entre eux.
Dans The Flies, l’écriture dramatique était marquée par quels thèmes ?
D. F : Dans The Flies, Jean Paul Sartre raconte l’oppression d’une population par la désinformation et l’ignorance. Les Mouches symbolisent ces sentiments négatifs qui hantent les personnages : le remord,
la peur. Les Mouches sont une pièce de rébellion, écrite par un jeune philosophe contre l’occupation
nazie en France, mais cette ode à la liberté résonne aujourd’hui encore comme très contemporaine.
Surtout dans le monde actuel où souvent la peur de l’autre et de l’extérieur est à l’origine d’un abrutissement des masses, ou les intérêts privés mènent à des mensonges tels que l’invasion de l’Irak
au nom de la lutte contre les armes de destructions massives. C’est d’ailleurs de ces constats qu’est né
le concept de The Flies.
En quoi ta production récente exprime une sensibilité contemporaine ?
D. F : La scène de The Flies se compose de nombreuses télévisions posées sur scène en guise de décor, sur lesquelles est diffusée une création vidéo mettant en abyme la publicité et l’information telle qu’elle nous est offerte aujourd’hui, ainsi que des câbles qui courent sur scène pour relier les amplis, les micros aux instruments de musique. C’est un décor ultra-moderne composé en quelque sorte de débris technologiques. Il représente l’armada médiatique qui est déployée pour maintenir les citoyens d’Argos
dans l’ignorance et la peur. En vérité il n’est pas très éloigné d’une certaine réalité : des gens nourris de sodas et de clips mtv, c’est très proche du monde dans lequel on vit. A l’heure actuelle, une prise de conscience est de plus en plus nécessaire pour mettre en question la base d’une pensée unique obsédée par l’argent et le profit. Des initiatives sont prises du point de vue économique dans
le dévelopement durable ou d’un point de vue écologique avec les industries vertes. Artistiquement
aussi, il est important de questionner le monde, et il y a une tendance artistique vers l’éveil des consciences. Echange Theatre s’inscrit dans cette mouvance et The Flies est un spectacle qui contient un propos politique semblable à de nombreuses créations contemporaines qui veulent questionner les valeurs actuelles.
Est- ce que tu travailles avec une troupe dans la voie d’un théâtre qui mêle musique et autres formes artistiques ?
D.F : Notre compagnie s’appelle Echange car nous sommes intéressés non seulement par l’échange des cultures, mais aussi, dans nos pratiques, par l’échange entre formes artistiques. Et la musique tient une
place particulière dans nos créations. L’ingénieur du son de la compagnie, un Mauricien, Dilan Hookoomsing, est également musicien (Il est le guitariste de A Riot in Heaven). Lors de notre première création, (L’Echange de Claudel) je lui ai demandé de transformer quelques paragraphes en une chanson. De cette expérience réussie est venue l’idée de créer Bal Trap de Durringer, un spectacle entièrement accompagné par de la musique en live. Ce qui m’intéressait, c’était non pas d’utiliser la musique uniquement comme des transitions entre les scènes ou comme une illustration, mais de faire
fonctionner le musicien comme une bande-son, même quand les comédiens parlaient. Mais cette fois au-delà de la bande son, une formation électrique peut littéralement créer le décor dans l’imagination du public, donner vie aux mouches et faire partie intégrante du spectacle. C’est ce travail de recherche
qu’Echange Theatre a entrepris. La même chose est en cours avec la vidéo.
Quel est le rôle donné à la parole, au texte, à la réflexion ?
D.F : Le texte reste à la base du travail de la compagnie. Notre objectif premier étant de faire découvrir des textes rares ou inconnus. Il s’agit souvent d’un travail de traduction mené par notre équipe et pour lequel notre bilinguisme est primordial. On tombe souvent sur des traductions soit approximatives soit trop académiques pour être jouées. Mais comme nous voulons utiliser des textes fidèles aux originaux, tant au niveau du rythme que des tournures poétiques, nous les réécrivons souvent nous mêmes. Le texte est donc au centre de nos préoccupations car il est le coeur du projet. Toute autre invention scénique ou musicale n’est qu’un outil pour servir le texte. Mais parfois ces outils le rendent tout simplement plus digeste. Le but, au-delà de la découverte, est aussi de rendre les textes accessibles à un public du 21eme siècle.
Pourquoi prétendre jouer ? Jouer c’est un discours sur le travail dramatique?
D.F : Jouer c’est être profondément en projection vers le monde autour de soi: les autres, ses partenaires, le public. Il y a ce malentendu qui persiste dans la perception du jeu théâtral qui
consiste à croire que le théâtre est un art prétentieux. Jouer, ce n’est pas vraiment un discours
sur le travail dramatique. La mise en scène fait cela en amont. Les analyses le font en aval. Mais au
moment de jouer, le discours ne doit pas être visibles, ou bien c’est de la complaisance. Cette interview est certainement un discours sur le travail dramatique bien plus que ne l’est une représentation.
Entretien réalisé par
Norbert LOUIS